Signa: Revista de la Asociación Española de Semiótica
Signa. Revista de la Asociación Española de Semiótica (ISSN ed. electrónica: 2254-9307, ISSN ed. en papel: 1133-3634) fue creada en 1992 por el Prof. José Romera Castillo, siendo Presidente de AES; desde 2022, es Director Honorífico de la revista. Signa es publicada por el Centro de Investigación SELITEN@T, fundado y dirigido también por el Prof. Romera. La revista está especializada en estudios de semiótica, con dos objetivos: impulsar el análisis de los sistemas de signos y los procesos de comunicación en diversos ámbitos, y servir de cauce de interrelación entre investidadores de semiótica de España, Europa, Latinoamérica y otros ámbitos geográficos. Dentro de estas líneas, Signa publica artículos sobre los sistemas de signos y diversas manifestaciones artísticas y culturales. Signa tiene una voluntad clara de innovación. Por eso, da cabida a estudios sobre nuevas tecnologías, o que usan las nuevas tecnologías como marco metodológico. Signa acoge estudios literarios, si se abordan desde la semiótica o desde modelos teóricos novedosos (distintos de la filología tradicional) que en España no hayan tenido una difusión amplia. La revista tiene un particular interés por el teatro, porque se trata de una manifestación especialmente proclive al análisis semiótico. Además del portal de revistas de la UNED, Signa está alojada la Biblioteca Virtual Miguel de Cervantes, Dialnet y SELITEN@T.
Los autores/as que publiquen en esta revista aceptan las siguientes condiciones: Los autores/as conservan los derechos de autor y ceden a la revista el derecho de la primera publicación, con el trabajo registrado con la Creative Commons CC-BY-NC 4.0 Internacional, que permite a terceros citar el texto y usarlo sin alterarlo y sin beneficio económico, siempre que mencionen la autoría del trabajo y la primera publicación en esta revista. Los autores/as pueden realizar otros acuerdos contractuales independientes y adicionales para la distribución no exclusiva de la versión del artículo publicado en esta revista (p. ej., incluirlo en un repositorio institucional o publicarlo en un libro), siempre que indiquen claramente que el trabajo se publicó por primera vez en esta revista. SIGNA no se responsabiliza de los contenidos, juicios y opiniones expresados por autores y reseñistas. El/la firmante de un artículo se responsabiliza de las licencias de uso de las imágenes incluidas, cuando las haya.
Enunciación lírica y ficción en la canción
Este artículo aborda la cuestión de la enunciación en el género musical de la canción, siguiendo algunos acercamientos teóricos propios de la teoría de la lírica. En el cruce entre los estudios literarios y musicológicos, el trabajo propone un modelo teórico para analizar la enunciación lírica en la canción, considerando su carácter híbrido, que combina poesía, voz cantada y música. Para ello, se profundiza en la comprensión de la enunciación lírica en las letras de canciones, se propone una tipología de instancias enunciativas en la canción que tenga en cuenta la dimensión musical y se defiende un enfoque retórico-pragmático de la ficción, que contempla marcas textuales, paratextuales y extratextuales, así como la posibilidad de aparición de ficcionalidad y no ficcionalidad local en el marco de canciones globalmente factuales o ficcionales respectivamente. Con ello, se busca ofrecer un modelo flexible para analizar la multiplicidad de voces y grados de ficcionalidad en la canción popular contemporánea. Palabras clave: Enunciación lírica. Enunciación musical. Intermedialidad. Ficción. Teoría de la lírica. Abstract: This paper addresses the issue of enunciation in the musical genre of song, drawing on theoretical approaches from lyric theory. Situated at the intersection of literary and musicological studies, the work proposes a theoretical model for analyzing lyric enunciation in songs, considering their hybrid nature, which merges poetry, sung voice, and music. It deepens the understanding of lyric enunciation in song lyrics and introduces a typology of enunciative instances that considers the role of musical dimension. Furthermore, it advocates for a rhetorical-pragmatic approach to fiction, one that incorporates textual, paratextual, and extratextual markers, and allows for the emergence of localized fictionality or non-fictionality within songs that may be globally factual or fictional. The aim is to offer a flexible analytical framework for examining the multiplicity of voices and varying degrees of fictionality in contemporary popular songs. Keywords: Lyric enunciation. Musical enunciation. Intermediality. Ficcion. Theory of the Lyric.
Derechos de autor 2025 Rocío BADÍA FUMAZ https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Vínculos en transición. Poetas mujeres en grabaciones y directos (1966–1980)
Este artículo demuestra que, durante el tardofranquismo y la Transición, cantautoras, actrices y locutoras dieron voz a poetas mujeres, ampliando la memoria cultural más allá del canon masculino, al incorporar textos de autoras coetáneas y anteriores. A partir de vinilos como Poetisas y Poesía femenina (1966), y mediante el análisis de archivos, repertorios no grabados e informes de censura, recupero las intervenciones de artistas como Elisa Serna, Julia León, Marina Rossell o Núria Espert, que musicalizaron y recitaron poemas de Rosalía de Castro, Ángela Figuera Aymerich, Gloria Fuertes, Maria-Mercè Marçal o Gabriela Mistral, entre otras. Estas prácticas, a menudo efímeras por darse en vivo —donde hubo mayor presencia femenina que en los elepés—, invocan una versión de lo que Sarah Ahmed llama vínculos feministas: relaciones no lineales, activadas en la escucha y la actuación, que configuran una novedosa memoria feminista para los estudios sobre poesía y canción y, con ello, para los currículos escolares. Palabras clave: Cantautoras. Poetas mujeres. Transición. Feminismo. Performance. Abstract: This article demonstrates that, during the Franco regime and the Spanish Transition, female singer-songwriters, actresses, and broadcasters challenged the dominant male poetic canon by giving voice to female poets. They expanded cultural memory by setting to music texts from contemporary and earlier female authors. Drawing on vinyl records such as Poetisas and Poesía femenina (1966), and through the analysis of archives, live repertoires, and censorship reports, I engage with the contributions of performers such as Elisa Serna, Julia León, Marina Rossell, and Núria Espert. Their LPs featured poetry by Rosalía de Castro, Ángela Figuera Aymerich, Gloria Fuertes, Maria-Mercè Marçal, Gabriela Mistral, among others —although women’s voices were more present in live performances, which often went unrecorded. These ephemeral practices trace a version of what Sarah Ahmed calls feminist attachments: affective, non-linear relations activated through listening and performance, forming a feminist memory that belongs to studies of music and poetry and, thereby, to school curricula. Keywords: Female singer-songwriters. Female poets. Spanish Transition. Feminism. Performance.
Derechos de autor 2025 Elia Romera-Figueroa https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Recepción clásica, intermedialidad e intertextualidad. Los versos sáficos de Christina Rosenvinge, entre Safo y Aurora Luque
Partiendo de un estudio anterior sobre Los versos sáficos de Christina Rosenvinge (2023) como proyecto autorial y antología de Safo, este artículo profundiza en la naturaleza de dicha obra de creación desde el punto de vista de la recepción clásica, la intermedialidad y la intertextualidad. Primero se aborda hasta qué punto supone un traslado de la lírica fragmentaria de Safo desde la esfera de la tradición culta hasta la cultura popular, y sobre el peso de la nueva forma de entender la herencia grecolatina desde la perspectiva de la recepción. Después se analiza la importancia de la intermedialidad y la performance tanto en el caso original de Safo como en el del proyecto de Rosenvinge inspirado en ella. Finalmente, se cotejan las letras creadas por la cantautora hispano-danesa a través de la adaptación o inspiración en los fragmentos sáficos, con la mediación de la traducción de Aurora Luque. Palabras clave: Christina Rosenvinge. Aurora Luque. Safo. Poesía. Música. Abstract: Drawing on a previous study (2023) of Christina Rosenvinge’s Los versos sáficos as an authorial project and an anthology of Sappho, this article further explores the work’s nature from the perspective of classical reception, intermediality, and intertextuality. The first section discusses how this work shifts Sappho’s fragmentary lyric poetry from high culture into popular culture and explores the significance of this new approach to Greco-Roman heritage. Following this, the article analyzes the role of intermediality and performance in both Sappho’s original context and in Rosenvinge’s modern interpretation. The final section compares the lyrics created by the Hispano-Danish singer-songwriter —lyrics adapted from or inspired by the Sapphic fragments, with the essential aid of Aurora Luque’s translation. Keywords: Christina Rosenvinge. Aurora Luque. Sapphus. Poetry. Music.
Derechos de autor 2025 Clara MARÍAS https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
“I think I’ve seen this film before”. Una aproximación transreferencial al significado en las letras de Taylor Swift
Este artículo propone un análisis transreferencial de la obra de Taylor Swift a partir del estudio de las letras de sus canciones, concebidas como textos cargados de densidad semiótica y potencial generador de significado. A lo largo del trabajo se examinan los modos en que Swift combina esquemas formales y de contenido, figuras y referencias intermediales e intratextuales, conformando una red de significados que se articula tanto dentro de su discografía como en diálogo con otros sistemas culturales. Se atiende especialmente al modo en que Swift se vincula con la alta cultura como estrategia de posicionamiento autorial. El análisis muestra cómo la integración de estas referencias no solo favorece la generación de sentido y refuerza la dimensión simbólica de su poética, sino que también consolida su estatus como autora en sentido pleno. Palabras clave: Transreferencialidad. Intermedialidad. Construcción de significado. Poética. Taylor Swift. Abstract: This article proposes a transreferential analysis of Taylor Swift’s work through the study of her lyrics, conceived as texts rich in semiotic density and meaning-making potential. The article examines how Swift combines formal and content-based schemas, figures, and intermedial and intratextual references, forming a network of meanings articulated both within her discography and in dialogue with other cultural systems. Special attention is given to the ways in which Swift engages with high culture as a strategy of authorial positioning. The analysis shows that the integration of these references not only fosters the production of meaning and reinforces the symbolic dimension of her poetics but also consolidates her status as a full-fledged author. Keywords: Transreferentiality. Intermediality. Meaning construction. Poetics. Taylor Swift.
Derechos de autor 2025 Rosa ILLÁN CASTILLO, Águeda SALMERÓN HORTELANO https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
¿Antón Álvarez, Pucho, Crema, C. Tangana o El Madrileño? Cómo se construye la autoría en la canción contemporánea
Este trabajo propone una aproximación a la canción como producto cultural desde nuestra contemporaneidad. Se trata de una propuesta teórica cuyo objetivo es destacar por un lado el valor de la canción más allá de lo estrictamente musical y por otro su interés en el contexto de los estudios de autoría. De esta manera, la canción se revela como un instrumento fundamental para la construcción de identidades, a través de su condición performativa y su rol en la sociedad globalizada. Partiendo entonces de las consideraciones culturales y autoriales de la canción como género musical, se analiza el caso específico de C. Tangana y su canción “Un veneno”, en la que se demuestra cómo varias identidades discursivas se suceden para consolidar el desarrollo de un proyecto autorial. Palabras clave: C. Tangana. Canción. Autoría. Estética performativa. Proyecto autopoético. Abstract: This paper proposes an approach to the song as a cultural product from the perspective of contemporary society. It presents a theoretical framework aimed, on the one hand, at highlighting the value of the song beyond its strictly musical dimension, and on the other, at emphasizing its relevance within authorship studies. In this sense, the song emerges as a key instrument for the construction of identities, through both its performative condition and its role in a globalized society. Building on cultural and authorship-oriented considerations of the song as a musical genre, the article examines the specific case of C. Tangana and his song “Un veneno”, demonstrating how multiple discursive identities unfold in the consolidation of an authorship project. Keywords: C. Tangana. Song. Authorship. Performative Aesthetic. Autopoetic project.
Derechos de autor 2025 Guillermo Sánchez Ungidos, José Ángel Baños Saldaña https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Líricas. Un género literario para un nuevo cancionero: el escritor de canciones y la teoría de la literatura
En este artículo se presenta un acercamiento teórico-literario a las letras de canciones entendidas como género literario. El trabajo está dividido en dos partes: en una primera, desde una perspectiva diacrónica, se exploran varios momentos de la tradición literaria occidental para estudiar las relaciones entre poesía y canción a partir de la figura del escritor de canciones; en una segunda, desde una perspectiva sincrónica, se analiza el sistema literario actual a partir de la polémica reciente del Nobel a Bob Dylan, la constitución del sistema rap y el nuevo estatuto de las letras de canciones tras la llegada de Internet y la publicación editorial de estas en una suerte de nuevo cancionero. Los principales objetivos de este trabajo son dos: encontrar un espacio para el análisis de un nuevo género en la literatura contemporánea y reforzar el enfoque teórico-literario en unos estudios dominados por la mirada comparativa. Palabras clave: Teoría de la literatura. Estudios autoriales. Letras de canciones. Rap. Bob Dylan. Abstract: This article presents a theoretical-literary approach to the study of contemporary song lyrics understood as a literary genre. The work is divided into two parts: first, from a diachronic perspective, it explores various historical moments that problematize the relationship between poetry and song through the figure of the songwriter; second, from a synchronic perspective, it analyzes the current literary system based on the recent controversy surrounding Bob Dylan’s Nobel Prize, the constitution of the rap system, and the new status of song lyrics following the advent of the Internet and their editorial publication in a kind of new songbook. The two main objectives of this work are to find a space for the analysis of a new literary genre and to reinforce a theoretical-literary focus in a field of study dominated by a comparative perspective. Keywords: Theory of Literature. Authorial Studies. Song Lyrics. Rap. Bob Dylan.
Derechos de autor 2025 Álvaro LUQUE AMO https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Derechos de autor 2025 José ROMERA CASTILLO https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Laudatio. Juan Mayorga: Un dramaturgo polifacético
Discurso de aceptación. El arte de la distancia
Derechos de autor 2025 Juan MAYORGA https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
En 1972 Michael Kirby publicó un artículo que daría origen al concepto de no-actor, una categorización que servía para definir aquellas manifestaciones escénicas donde la relación del intérprete con la ficción del personaje había sido transgredida, empleándose para ello, por ejemplo, a personas reales que ejercían con tal identidad en los espectáculos. Con una larga tradición, e hitos como el happening, en el momento actual vivimos una gran complejidad en sus manifestaciones debido a la presencia continua de lo tecnológico. Desde un paradigma posdigital, donde el binarismo analógico/digital deja de ser operativo, es urgente reflexionar sobre nuevos paradigmas posorgánicos que fusionan cuerpo y tecnología, así como sobre producciones que emplean simulaciones del actor mediante robots, hologramas, realidad virtual o inteligencia artificial, buscando fascinar por la indecidibilidad de los signos que de estos emanan. Palabras clave: Teoría teatral. Teoría del actor. No-actor. Performance digital. Escena posdigital. Abstract: In 1972, Michael Kirby published an article that would give rise to the concept of the non-actor, a category used to define theatrical performances where the performer's relationship with the character's fiction had been transgressed. For example, real people who performed with their own identities in the shows were used. With a long tradition and milestones like the happening, we are now also experiencing great complexity in this diversity due to the continuous presence of technology. From a postdigital paradigm, where the analog/digital binary is no longer operational, it is urgent to reflect on new post-organic paradigms that merge body and technology, as well as on productions that use simulations of the actor through robots, holograms, virtual reality, or artificial intelligence that seek to fascinate with the indecisiveness of the signs that emanate from them. Keywords: Theatre Theory. Actor Theory. Non-actor. Digital Performance. Postdigital Theatre.
Derechos de autor 2025 Mario de la Torre-Espinosa, María Ángeles Grande Rosales https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Orlando revisitado. Actuación y teatro posdramático en las creaciones escénicas de Katie Mitchell y Marta Pazos
Publicado originalmente en 1928, Orlando: Una biografíaes una de las novelas de Virginia Woolf que mayor influencia ha tenido en la creación contemporánea. Esta fascinación puede sentirse con una fuerza especial en el cine y en las artes escénicas, donde proliferan las adaptaciones, sobre todo en los últimos años. En este artículo me aproximaré a dos de ellas: la llevada a cabo por la directora británica afincada en Alemania Katie Mitchell (Orlando, 2019) y la que ha estrenado la directora y artista visual española Marta Pazos en el Centro Dramático Nacional (Orlando, 2025). Mi propósito es analizar desde una perspectiva posdramática (Lehmann) el trabajo realizado por los actores y los no-actores (Kirby) en estas creaciones, prestando atención a tres elementos: el empleo del Live cinema y el poema escénico; el uso de la voz; y el modo en el que aparece tratada la corporalidad. Palabras clave: Teatro posdramático. Teorías del actor y no-actor. Katie Mitchell. Marta Pazos. Adaptaciones de Orlando. Abstract: Originally published in 1928, Orlando: A Biography stands out as one of Virginia Woolf’s most influential novels in today’s artistic landscape. This enduring fascination has found fertile ground in film and theatre, where adaptations have multiplied in recent years. In this article, I examine two such adaptations: one directed by British director Katie Mitchell, based in Germany (Orlando, 2019), and the other by Spanish director and visual artist Marta Pazos, which recently premiered at Centro Dramático Nacional (Orlando, 2025). My aim is to analyze, from a postdramatic perspective (Lehmann), the work carried out in these productions by both actors and non-actors (Kirby), focusing on three key elements: the use of Live cinema and Scenic poems, vocal performance and the treatment of corporality on stage. Keywords: Postdramatic theatre. Acting and Non-acting Theories. Katie Mitchell. Marta Pazos. Adaptations of Orlando.
Derechos de autor 2025 Cristina OÑORO OTERO https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Teatralidades digitales, reflexiones epimeteicas
Ya en los relatos míticos se presenta la técnica como un arma de doble filo, como un remedio y una amenaza, una forma de liberación y dominación. Con esta paradoja de fondo, este artículo analiza el uso de las herramientas digitales desde una doble perspectiva: la filosofía de la técnica y el imaginario cultural en torno a la cibernética y las teorías de sistemas complejos que subyace a la era de los ordenadores. Para ello se estudian varios proyectos de creación, investigación y docencia iniciados durante la pandemia en los que se utiliza la pantalla como espacio de operaciones. La pregunta es cómo abrir los escenarios/pantallas a lo que Bernard Stiegler denomina la “producción deseante de la imaginación”. Palabras clave: Filosofía de la técnica. Bernard Stiegler. Teatralidades digitales. Cibernética. Tiempo. Abstract: In mythical tales technology is already presented as a double-edged sword —a remedy and a threat, a form of liberation and domination. With this paradox as its foundation, this article analyses the use of digital tools from a dual perspective: the philosophy of technology and the cultural imaginary surrounding cybernetics and the theories of complex systems that underlie the computer age. To do this, several creative, research, and teaching projects initiated during the pandemic are studied, all of which use the screen as their operational space. The central question is how to open up these stages/screens to what Bernard Stiegler calls the “desiring production of the imagination”. Keywords: Philosophy of Technology. Bernard Stiegler. Digital Theatricality. Cybernetics. Time.
Derechos de autor 2025 Óscar CORNAGO BERNAL https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
El teatro, inherentemente hipermedial, se ha nutrido siempre de diversas artes. Hoy, la irrupción del no-actor, cuya corporeidad se puede simular mediante tecnologías diversas, genera un no-espectador que experimenta una percepción inmediata. Desde esta perspectiva, los operadores digitales —tecnocuerpo, tecnodramaturgia, tecnotexto— liberan la escena del texto, pero simultáneamente pueden provocar una crisis de la representación al disociar cuerpos y voces, rompiendo con principios teatrales como el de copresencia al ser el cuerpo modelado por interacciones sofisticadas tecnológicamente y sustituido por simulacros visuales. Esto, además, difumina la frontera entre lo virtual y lo real. Sin embargo, el cuerpo biológico mantiene su relevancia, ya que lo digital no anula el cuerpo físico, sino que lo reconstruye, planteando nuevos estados del cuerpo. Palabras clave: No-actor. Teatro digital. Teoría teatral. Intermedialidad. Interactividad. Abstract: Theatre, inherently hypermedial, has always drawn from diverse arts. Today, the irruption of the non-actor, whose corporeality can be simulated through various technologies, generates a non-spectator who experiences an immediate perception. From this perspective, digital operators —technobody, technodramaturgy, technotext— free the stage from the text, yet simultaneously can provoke a crisis of representation by dissociating bodies and voices. This breaks with theatrical principles like co-presence, as the body is modelled by sophisticated technological interactions and substituted by visual simulacra. Furthermore, this blurs the line between the virtual and the real. Nevertheless, the biological body maintains its relevance, as the digital doesn’t nullify the physical body, but rather reconstructs it, proposing new states of the body. Keywords: Non-actor. Digital Theatre. Theatre Theory. Intermediality. Interactivity.
Derechos de autor 2025 André HELBO https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
La figura del no-actor en las propuestas de Cross Border Project y Pont Flotant. Espectator, comunidad y democracia
El presente trabajo explora el modo específico en que los espectáculos de Cross Border y Pont Flotant incorporan la figura del no-actor a la escena y el ejercicio de expectación que sus propuestas vindican desde esta democratización del espacio de la actuación. Exploraremos así espectáculos que se adscriben claramente al modelo del teatro foro —¿Qué hacemos con la abuela? o La chica que soñaba del Cross Border— en los que el público deviene espectactor y, por tanto, sujeto ejecutante de la acción dramática; y, de otra, propuestas —como El hijo que quiero tener, Como piedras o Las siete diferencias de Pont Flotant— en las que la inclusión de no actores en el proceso de creación y de exhibición de los espectáculos genera dinámicas de recepción que debilitan la frontera entre el espacio de la poiesis y el de la expectación favoreciendo una exacerbación de la communitas. Palabras clave: Cross Border Project. Pont Flotant. No-actor. Comunidad. Teatro social. Abstract: This paper explores the specific way in which the shows by Cross Border and Pont Flotant incorporate the figure of the non-actor to the stage and the exercise of expectation that their proposals vindicate from this democratization of the performance space. We will thus explore shows that are clearly ascribed to the forum theater model —¿Qué hacemos con la abuela? or La chica que soñaba, by Cross Border— in which the audience becomes a spect-actor and, therefore, a performing subject of the dramatic action; and, on the other hand, proposals —such as El hijo que quiero tener, Como piedras or Las siete diferencias, by Pont Flotant— in which the inclusion of non-actors in the process of creation and exhibition of the shows generates dynamics of reception that weaken the boundary between the space of poiesis and space of expectation, favoring an exacerbation of communitas. Keywords: Cross Border Project. Pont Flotant. Non-actor. Community. Social Theatre.
Derechos de autor 2025 Mariángeles RODRÍGUEZ ALONSO https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Desde el no-actor hasta el espectador-actor-personaje. Performance y procesos de inmersión dentro del fluir intermedial de la creación audiovisual contemporánea
En el cine, la presencia y evolución del no-actor puede detectarse desde sus mismos orígenes, atravesando después todo el siglo XX siempre con la finalidad de alcanzar un mayor grado de realismo en el interior del campo de la ficción. Paralelamente, irán sucediéndose una serie de propuestas inmersivas, presentes en el cine experimental, que introducirán el cuerpo del espectador en la imagen o en el suceso fílmico, abandonando su lugar/posición tradicional para devenir en (no)actor/performer. Todo este proceso se acentuará con la llegada de la era digital —e intermedial—, al tiempo que conocerá nuevas declinaciones que tendrán lugar en una nueva dimensión más allá del hecho fílmico, en la que el espectador, ya sin nadie que dirija su mirada, deviene en sujeto/personaje, tal y como ocurre en la obra que analizaremos: Carne y arena (Virtualmente presente, físicamente invisible), dirigida por Alejandro G. Iñárritu en 2017. Palabras clave: Performatividades. Intermedialidad. Soportes. Inmersión. Espectros. Abstract: In cinema, the presence and evolution of the non-actor can be traced back to its very origins, continuing throughout the 20th Century, by the safe-keeping of realism within the realm of fiction. Parallel to this, a series of immersive proposals emerged in experimental cinema. These works introduced the spectator’s body into the image or the film event itself, causing them to abandon their traditional place and position to become a (non)actor/performer. This entire process was accentuated by the arrival of the digital —and intermedial— era, while also finding new forms of expression in a new dimension beyond the film event. In this dimension, the spectator, with nobody to guide their gaze, becomes the subject/character, as is the case in the work analyzed here: Carne y arena (Virtualmente presente, físicamente invisible), directed by Alejandro G. Iñárritu in 2017. Keywords: Performativities. Intermediality. Media Supports. Immersion. Spectres.
Derechos de autor 2025 Xosé NOGUEIRA OTERO https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
The play(er) is the thing. No-actores en documentales animados para tiempos de pandemia
El papel de la no-ficción animada en el ecosistema audiovisual actual se aborda a partir del estudio de un corpus acotado en relación con el contexto (post-) pandémico y con la especificidad del subgénero del docu-machinima: We Met in Virtual Reality (2022), Joe Hunting; Grand Theft Hamlet (2024), de Sam Crane y Pinny Grills; The Remarkable Life of Ibali (2024), de Benjamin Ree; o Knit’s Island (2024), de Ekiem Barbier, Guilhem Causse y Quentin L’Helgouac’h. La naturaleza disruptiva del medio, como ejemplo de no-mímesis fotorrealista, sirve para adentrarse en las fronteras de lo real o para desvelar las verdades ocultadas por los medios dominantes. El corpus se analiza también desde el concepto de no-actor, desnaturalizado y convertido en usuario, avatar o marioneta que cuestiona la idea misma de corporalidad o presencia y despliega todo un abanico de identidades idealizadas o performativizadas en el mundo contemporáneo. Palabras clave: Documental animado. Docu-machinima. No-actor. Avatar. Performativización. Abstract: This study addresses the role of animated non-fiction in the current audiovisual ecosystem by examining a specific corpus in relation to the (post-)pandemic context and the particularities of the docu-machinima subgenre: We Met in Virtual Reality (2022), by Joe Hunting; Grand Theft Hamlet (2024), by Sam Crane and Pinny Grills; The Remarkable Life of Ibali (2024), by Benjamin Ree; or Knit’s Island 2024), by Ekiem Barbier, Guilhem Causse, and Quentin L’Helgouac’h. The disruptive nature of the medium, as an example of photorealistic non-mimesis, serves to delve into the boundaries of the real or to unveil truths concealed by dominant media. The corpus is also analyzed through the concept of the non-actor, denaturalized and transformed into a user, avatar, or puppet, which questions the very idea of corporeality or presence and displays a range of idealized or performatized identities in the contemporary world. Keywords: Animated Documentary. Docu-machinima. Non-Actor. Avatar. Performativization.
Derechos de autor 2025 Anxo ABUÍN GONZÁLEZ https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Ken BENSON.— La subversión silente. Carmen Laforet, poética y hermenéutica
Derechos de autor 2025 Ken BENSON https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Miguel CARRERA GARRIDO y Gracia MORALES ORTIZ (eds.).— Voces para la escena. Dramaturgias actuales en España y América Latina
Derechos de autor 2025 Miguel CARRERA GARRIDO, Gracia MORALES ORTIZ https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
M.ª Paz CEPEDELLO MORENO, Mario DE LA TORRE-ESPINOSA, M.ª Isabel MORALES SÁNCHEZ y Pablo L. ZAMBRANO CARBALLO (eds.).— Espacio, arte e identidad. Consideraciones semióticas
Derechos de autor 2025 Mª Paz CEPEDELLO MORENO, Mario DE LA TORRE-ESPINOSA, M.ª Isabel MORALES SÁNCHEZ , Pablo L. ZAMBRANO CARBALLO https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Emeterio DIEZ PUERTAS.— Precisiones sobre Tierra sin pan, de Luis Buñuel
Derechos de autor 2025 Emeterio DÍEZ PUERTAS https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Miguel Ángel GARCÍA.— Nuevos combates por la historia. Maravall y la literatura española contemporánea
Derechos de autor 2025 Miguel Ángel García https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Rodrigo GUIJARRO LASHERAS.— Surcos sonoros. La música en la novela contemporánea
Derechos de autor 2025 Rosario Algar Parejo https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Miriam LLAMAS UBIETO y Johanna VOLLMEYER (eds.).— Cultural recycling in the postdigital age
Derechos de autor 2025 Elena Gallego Fraile https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Pablo NÚÑEZ DÍAZ.— Joaquín Sabina en la poesía de su tiempo
Derechos de autor 2025 María Julia Ruiz https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Emilio José OCAMPOS PALOMAR.— La poética de la reescritura. Modernismo y traducción en España (1880-1920)
Derechos de autor 2025 Andrés Sánchez Martínez https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Pedro POYATO SÁNCHEZ.— Hollywood desafía a Hollywood. Películas que contravienen la norma clásica
Derechos de autor 2025 Álvaro Martínez Sánchez https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
José María POZUELO YVANCOS (ed.).— Miradas del hispanismo europeo
Derechos de autor 2025 Maravillas Moreno Amor https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
José ROMERA CASTILLO.— Teselas teatrales actuales
Derechos de autor 2025 Maria Angelica Giordano Paredes https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
José ROMERA CASTILLO (ed.).— Teatro y medicina en el primer cuarto del siglo XXI
Derechos de autor 2025 Martín Bienvenido Fons Sastre https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Sara SÁNCHEZ HERNÁNDEZ.— Juan del Encina. Texto literario y texto espectacular en los impresos teatrales del siglo XVI
Derechos de autor 2025 Maider Vázquez Pedro https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Javier SOTO ZARAGOZA.— La biblioteca de Joaquín Sabina. Influencias e intertextualidades en sus letras
Derechos de autor 2025 VÍCTOR SIMÓN RUIZ https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Del machine learning al aprendizaje de taller literario. Hacia una metodología de las relaciones entre ficción literaria y grandes modelos de lenguaje
Este artículo propone una reflexión metodológica y epistemológica sobre el modo de concebir y evaluar la capacidad de escribir textos literarios ficcionales de los grandes modelos de lenguaje, o large language models, en inglés (LLM). Comenzamos describiendo algunas de las dificultades estructurales de esta relación, que se resumen en el antagonismo entre la naturaleza autorregresiva de los LLM —que los lleva a elegir unas palabras sobre otras por una cuestión de probabilidad estadística— y el carácter asistemático de la escritura literaria de ficción. Posteriormente justificamos que la mejor forma de comprobar el potencial de los LLM para esta tarea es una metodología de prompt múltiple expresada en términos literarios —es decir, subjetivos y asistemáticos—. Por último, se analizan los resultados de un experimento que siguió esta premisa, y en el que se apreció una clara mejoría entre la primera versión y la quinta del texto, entre las que mediaron cuatro rondas de prompts con veintinueve correcciones concretas. Palabras clave: Grandes modelos de lenguaje. Aprendizaje automático. Inteligencia Artificial Generativa. Literatura. Abstract: This article proposes a methodological and epistemological reflection on the conceptualization and evaluation of the capacity of Large Language Models (LLMs) to generate fictional literary texts. It, first, describes some structural difficulties of this relationship, summarized in the antagonism between the autoregressive nature of LLMs —which leads them to choose certain words over others due to a matter of statistical probability— and the unsystematic nature of fictional literary writing. Secondly, the article proposes that the best way to test the potential of LLMs for this task is a multiple-prompt methodology expressed in literary terms —that is, subjective and unsystematic. In an experiment following this premise, the results show a clear improvement between the first and the fifth version of the text, with four rounds of prompts and twenty-nine specific corrections. Keywords: Large Language Models. Machine Learning. Generative Artificial Intelligence. Literature.
Derechos de autor 2025 Miguel Amores Fúster https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Lenguajes confluyentes: partitura y contenido dramático en Doña María de Molina, de Mariano Roca de Togores, con música de Ramón Carnicer
Este artículo se centra en demostrar, en el drama Doña María de Molina, de Roca de Togores, la coordinación entre su lenguaje verbal y el musical, aportado este por el compositor Ramón Carnicer para estrenarlo en la onomástica de la reina gobernadora María Cristina en 1837. Se examina el uso de los parámetros musicales de la partitura conservada en conexión con las escenas en que se encuentra, así como se proporcionan datos que permiten extraer conclusiones respecto a las partes amputadas después de la primera representación. Palabras clave: Mariano Roca de Togores. Ramón Carnicer. María de Molina. Música incidental. Drama histórico. Abstract: This paper focuses on demonstrating the coordination between verbal and musical language in the drama Doña María de Molina by Roca de Togores. The composer Ramón Carnicer provided de music for its premiere on the name day of Queen Regent María Cristina in 1837. The use of the musical parameters of the preserved score is examined. Their connection to the essential ideas of the work, and to the scenes in which they are found is established. Data that allow conclusions to be drawn regarding the sections that were removed after the initial performance are also provided. Keywords: Mariano Roca de Togores. Ramón Carnicer. María de Molina. Incidental music. Historial drama.
Derechos de autor 2025 Dra. Dña. Ana Isabel Ballesteros Dorado, Dra. Dña. Marina Barba Dávalos https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
En el vientre de la yihad (2017), de Alexandra Gil. El préstamo léxico yihad y sus connotaciones semánticas y pragmáticas como metáfora
El presente estudio se centra en el análisis del préstamo léxico yihad en la obra En el vientre de la yihad (2017), de Alexandra Gil, partiendo de Lakoff y Johnson y de Steen. La investigación se centra en el análisis de las metáforas y connotaciones vinculadas con esa realidad y sus posibles imágenes cognoscitivas. De esta manera, los resultados muestran que el dominio fuente yihad se encuentra asociado a dominios meta como geopolítica, estigma sociofamiliar, violencia y negocio, entre otros. Estos resultados influyen en la creación y recreación de imágenes cognoscitivas hacia el islam desde una perspectiva occidental y responden a una visión belicista del mismo. Palabras clave: En el vientre de la yihad. Alexandra Gil. Metáfora. Préstamo léxico. Narrativa testimonial. Yihad. Abstract: This study analyses the lexical borrowing jihad as it appears in Alexandra Gil’s En el vientre de la yihad (2017), drawing upon the theoretical models of metaphor developed by Lakoff and Johnson, as well as Steen. The research specifically examines the metaphors and connotations associated with jihad and the potential cognitive images they evoke. The results show that jihad as a source domain is linked to target domains such as geopolitics, socio-familial stigma, violence, and business, among others. These findings contribute to the formation and re-formation of Western cognitive images of Islam, often reflecting a bellicose perspective. Keywords: En el vientre de la yihad. Alexandra Gil. Metaphor. Lexical borrowing. Testimonial narrative. Jihad.
Derechos de autor 2025 Fernando Candón Ríos, Rafael Crismán Pérez https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Reconstruir o deconstruir el sentido: Tobias Stretcht, Reel I (psicosemiótica del enigma)
Ante ciertas obras del arte actual, el espectador sufre, con frecuencia, el choque del enigma: no sabe lo que significan; ni siquiera si significan algo, o si aspiran a significarlo. Cuando se convierten en objetos de investigación, dichas obras crípticas y misteriosas pueden abordarse a través de una metodología triple. Una que rastrea, primero, su filiación interartística —sus vínculos genéticos con otras obras del pasado—; después, sus relaciones interdiscursivas —sus procesos de asimilación y transformación de otros discursos—; y, por último, su constitución intersemiótica —su densidad como síntesis de lenguajes o sistemas de significación diferentes, pero convergentes—. Así, la existencia sensible del documento artístico va desembocando, paulatinamente, en experiencia inteligible. Y el inevitable logocentrismo de la vida del espíritu recupera sus derechos, sostenido por la creencia hermenéutica y justificado por los protocolos de descripción y análisis de la teoría semiótica. Un estudio del vídeo de animación Reel I, de Tobias Stretch, permite abordar estos y otros asuntos epistemológicos. Palabras clave: Psicosemiótica. Esquizograma. Trabajo semiótico. Interpretación y sobreinterpretación. Tobias Stretch. Reel I. Abstract: When confronted with certain contemporary artworks, viewers frequently encounter an enigmatic disjunction: they are uncertain as to the meaning of the work, or indeed, if it possesses or intends to convey any meaning at all. When such cryptic and recondite works become subjects of inquiry, they can be approached through a three-pronged methodology. This methodology first traces their interartistic filiation —their genetic connections with prior works; second, their interdiscursive relationships—; secondly, their processes of assimilation and transformation of other discourses; and, finally, their intersemiotic constitution —their density as a synthesis of distinct yet convergent languages or systems of signification—. Through this systematic approach, the perceptible existence of the artistic document gradually transitions into an intelligible experience. Consequently, the inherent logocentrism of intellectual endeavour reasserts itself, supported by hermeneutic conviction and validated by the descriptive and analytical protocols of semiotic theory. A study of Tobias Stretch’s animated video, Reel I, provides an opportunity to explore these and other epistemological considerations. Keywords: Psychosemiotics. Schizogram. Semiotic Work. Interpretation and Overinterpretation. Tobias Stretch. Reel I.
Derechos de autor 2025 Manuel González de Ávila https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
“Fumar mata". Empleo de la apelación al miedo en las advertencias sanitarias combinadas de los envases de cigarrillos en España
En este trabajo se analizan las advertencias sanitarias combinadas presentes en el Decreto 579/2017, de 9 de junio, que regula la fabricación, presentación y comercialización de los productos del tabaco en España, para identificar sus efectos en dos grupos de estudiantes universitarios (N=108). La investigación se aborda desde un enfoque interdisciplinar que integra la semiótica y la lingüística aplicadas al análisis del discurso. Las hipótesis iniciales son que el miedo será la emoción predominante cuando se visualicen las advertencias y que las imágenes sin texto resultarán más confusas e inefectivas. Para su comprobación, se proyectan las advertencias combinadas al grupo 1 y sin texto al 2. Para la recogida de los datos, se emplean una encuesta y una actividad de debate. Los resultados indican que el miedo no es la principal emoción percibida y que las fotografías sin texto conllevan una mayor confusión e inefectividad en su impacto preventivo. Palabras clave: Cultura del tabaco. Tabaquismo. Campañas de prevención. Advertencias sanitarias combinadas. Etiquetado. Semiótica del miedo. Abstract: In this study, we carry out an analysis of the combined health warnings of Decree 579/2017, 9th June, which regulates the manufacture, packaging, and marketing of tobacco products in Spain, to identify their effects on two groups of college students (N=108). The research is approached from an interdisciplinary perspective that combines Semiotics and Linguistics applied to discourse analysis. The initial hypotheses are that fear will be the predominant emotion during the viewing of the warnings, and that the images without text will be more confusing and ineffective. To verify this, the combined warnings are projected to group 1, and without text to group 2. For data collection, a survey and a debate activity are used. The results show that fear is not the main emotion perceived by the participants, and the photographs without text lead to more confusion and ineffectiveness in their preventive impact. Keywords: Tobacco culture. Smoking. Prevention campaigns. Combined health warnings. Tobacco labelling. Semiotics of fear.
Derechos de autor 2025 Alicia Mariscal https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Materiales para una teoría del papel en blanco: semiótica del espejo vacío del poema
Este texto se propone leer algunos poemas sobre el papel en blanco como imago semiótica y también como un tema habitual de la poética tardomoderna en la poesía española contemporánea. Es frecuente encontrar poemarios españoles donde la idea de vacío conforma la página como un espejo donde los poetas se reflejan a sí mismos. Esto produce un bucle semiótico, estableciendo un vínculo entre la experiencia de escribir y la experiencia de ser leído por la misma página que se escribe. El análisis de varios poemas muestra que la experiencia de escribir sobre el espejo vacío de la página en blanco puede ser desasosegante, mientras que en otros casos es posible hallar un espacio de quietud, propicio para la experiencia creativa. Palabras clave: Semiótica. Espacio. Cognición. Lectura. Poesía española contemporánea. Abstract: This text aims to reads several poems about blank sheets as semiotic imago and as well as a common topic of Late-Modern poetics in Spanish contemporary poetry. It is frequent to find Spanish books of verses where the idea of emptiness shapes the page as a mirror in which the poets reflect themselves. That produces a semiotic loop, establishing a link between the experience of writing and the experience of being read by the very same page that is being written. The analysis of several poems shows that the experience of writing about the empty mirror of the blank page may be disappointing, whereas in other cases it is possible to find a semiotic space of quietness, fruitful to the creative experience. Keywords: Semiotics. Space. Cognition. Reading. Spanish contemporary poetry.
Derechos de autor 2025 Vicente Luis Mora https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Heteronomía y autonomía. Análisis y evolución de los discursos sobre el cine en la prensa cinematográfica española bajo el franquismo (1939-1975)
Las revistas cinematográficas son una fuente y un objeto de análisis importante para los historiadores del cine. Este trabajo analiza la evolución de los discursos sobre el cine —cinéfilo, teórico, analítico y crítico— en la prensa cinematográfica bajo el franquismo. Pueden establecerse dos líneas de continuidad. La primera, heterónoma, relaciona el cine con la sociedad. En esta se incluyen las reflexiones teóricas sobre la identidad y la función del cine español, los realismos descriptivo y crítico, el neoidealismo católico, la filmología o las relaciones entre cine y política. La segunda, autónoma, incluye los diferentes tipos de cinefilia y el realismo ontológico. Ambas líneas de continuidad vinculan la teoría al análisis y la crítica, con la salvedad de la cinefilia de las stars, y están condicionadas por los límites a la libertad de expresión bajo la dictadura y su evolución. Palabras clave: Prensa cinematográfica. Franquismo. Teoría del cine. Análisis y crítica de películas. Cinefilia. Abstract: Film magazines serve as a significant primary source and object of analysis for film historians. This study examines the evolution of discourses on cinema —cinephilic, theoretical, analytical, and critical perspectives— within the Spanish cinematographic press during the Francoist regime. Two lines of continuity can be established. The first, heteronomous, connects cinema with society. This category includes theoretical reflections on the identity and function of Spanish cinema, descriptive and critical realisms, Catholic neo-idealism, filmology, and the relationship between cinema and politics. The second, autonomous, encompasses various forms of cinephilia and ontological realism. Both lines of continuity link theory to analysis and criticism, with the exception of star-focused cinephilia, and are constrained by the limitations on freedom of expression under the dictatorship and their subsequent evolution. Keywords: Film press. Francoism. Film theory. Film analysis and critique. Cinephilia.
Derechos de autor 2025 Jorge Nieto-Ferrando, Joana isabel Duarte https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
El tiempo de las cosas. La agencia de los objetos heredados en el audiovisual contemporáneo
Los objetos que sobrevivieron a contextos de violencia totalitaria no solo funcionan como pruebas materiales del pasado traumático, sino que también pueden actuar como dispositivos afectivos y críticos, capaces de interpelar al público mediante la resignificación estética y política que adquieren en manos de las generaciones posteriores a quienes sufrieron ese tiempo de represiones. Partiendo de los Estudios de Memoria y los Nuevos Materialismos, desde un enfoque comparativo y analítico, este artículo analiza las significaciones que adquieren algunos de estos objetos en distintas geografías (España, Argentina y Chile), a partir de distintos puntos de vista (descendientes de víctimas e hijos de victimarios). Para ello, se analiza la exposición Objectes (des)apareguts (2021), así como los documentales El hijo del cazador (2018), Punto de encuentro (2022) y Bastardo. La herencia de un genocida (2023). Palabras clave: Posmemoria. Documental. Exposiciones. Objetos. Nuevos materialismos. Abstract: Objects that survived totalitarian violence not only function as material evidence of a traumatic past, but can also act as affective and critical devices, able to engage the public through the aesthetic and political re-signification they acquire in the hands of later generations. Drawing from Memory Studies and New Materialisms, and using a comparative and analytical approach, this article analyses the meanings these objects take on in different geographical locations (Spain, Argentina, and Chile), from various viewpoints (descendants of victims and children of perpetrators). The article will approach the exhibition Objectes (des)apareguts (2021), as well as the documentaries El hijo del cazador (2018), Punto de encuentro (2022), and Bastardo. La herencia de un genocida (2023). Keywords: Postmemory. Documentary. Exhibitions. Objects. New Materialisms.
Derechos de autor 2025 Laila Quílez https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Representaciones del universo caribeño colombiano en el cortometraje La langosta azul (1954)
Este artículo examina cómo el hacer del personaje el Vivo incide en el desarrollo narrativo y en el sentido del cortometraje La langosta azul (1954). El complejo dispositivo visual reaparece como mediador de rasgos identitarios de las sociedades del Caribe colombiano de la época de producción y de las circunstancias actuales en que se preserva, divulga e interpreta esta obra. La investigación se soporta en la semiótica narrativa, la semiótica de las prácticas culturales y la antropología, así como en recursos específicos para el estudio cinematográfico. El análisis permite afirmar que el Vivo es un ejemplar de las tácticas de supervivencia oportunistas y humorísticas reconocidas como propiedades del universo sociocultural representado, aun en el presente. Los valores subyacentes, tratados por el filme con humor crítico y en el marco de un procedimiento enunciativo, enriquecen la comprensión de la sociedad caribeña colombiana. Palabras clave: La langosta azul. Caribe colombiano. Semiótica narrativa. Semiótica cultural. Antropología. Abstract: This article examines the influence of the character el Vivo on the narrative progression and overall meaning of the short film La langosta azul (The Blue Lobster, 1954). The complex visual mechanism serves as a recurring mediator of identity markers within the societies of the Colombian Caribbean —both during the film’s production period and in the contemporary context of its preservation, dissemination, and interpretation. The research draws upon narrative semiotics, the semiotics of cultural practices, and anthropology, alongside specialized resources for film analysis. The analysis supports the argument that el Vivo embodies the opportunistic and humorous survival tactics recognized as characteristic of the represented sociocultural environment, even today. The underlying values, which the film treats with critical humour within an enunciative framework, significantly enrich the comprehension of Colombian Caribbean society. Keywords: La langosta azul. Colombian Caribbean. Narrative semiotics. Cultural semiotics. Anthropology.
Derechos de autor 2025 José Horacio Rosales Cueva, Juan Sebastián Vargas Trujillo https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Cuando la narración performa: La flor (2018) y las políticas temporales de la performance en el cine
El presente artículo propone un análisis del dispositivo temporal de La flor (Mariano Llinás, 2018) partiendo de las categorías estéticas de los estudios performativos. En el cine de ficción de larga duración, la experiencia de percepción del tiempo suele asociarse a la desaceleración de la acción que proponen cinematografías basadas en tomas largas y estáticas, una concepción que identifica el tiempo de la toma con el tiempo real percibido. En cambio, la temporalidad de la performance está estrechamente vinculada a su condición de acontecimiento ontológico, no equiparable a su registro audiovisual. Analizando las tres escenas autorreferenciales del filme, se argumenta que La flor plantea una temporalidad performativa concibiendo los procesos de producción y de exhibición como acontecimientos autorreferenciales y análogos, esquivos a la codificación en imagen. Así, se incidirá en el modo en que la intermitencia y la duración prolongada vincula el film como artefacto sígnico al tiempo extradiegético. Palabras clave: Cine. Performance. Mariano Llinás. Tiempo real. Intermedialidad. Abstract: This article analyses temporality as a device in Mariano Llinás’s La flor (2018) through the lens of aesthetic categories drawn from performance studies. In long-form fiction cinema, the perceived experience of time is often associated with a deceleration of action in films that use long and static takes. This is a form of temporality that equates the duration of the shot with perceived real time. In contrast, performance temporality is intrinsically linked to its status as an ontological event, distinct from its audiovisual documentation. By examining the film’s three self-referential scenes, this paper argues that La flor establishes a performative temporality by framing its production and exhibition processes as analogous and self-referential occurrences that resist encoding within the image. Consequently, the analysis will emphasize how intermittence and extended duration connect the film, as a signifying artifact, to extradiegetic time. Keywords: Cinema. Performance. Mariano Llinás. Real time. Intermediality.
Derechos de autor 2025 Adrián Sánchez Martínez https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Al borde del agujero. Lenguaje y realidad en un cuento fantástico de Samanta Schweblin
Uno de los desafíos a los que se enfrenta el relato fantástico contemporáneo es representar la incongruencia de la idea posmoderna de realidad. Para narrar los agujeros que se instalan en la episteme posmoderna, lo fantástico opta por usar mecanismos lingüísticos perturbadores, instalándose en el terreno del lenguaje. La transgresión fantástica ya no es provocada únicamente por el acontecimiento perceptivo, sino que también surge a partir de recursos lingüísticos, tal y como ocurre en el cuento “Agujeros negros” de Samanta Schweblin. En este relato, la figura del agujero permite un polifónico despliegue de disonancias semánticas, sintácticas y discursivas cuyo fin es cuestionar la idea de realidad del lector. Así pues, este artículo tratará de explorar las diversas rupturas lingüísticas que potencian lo fantástico y reflejan la cosmovisión de una época en la que la realidad es un concepto tan inalcanzable como amenazador. Palabras clave: Fantástico. Ironía. Agujero. Lenguaje. Schweblin. Abstract: One of the challenges facing contemporary fantastic narratives is depicting the incongruity of the postmodern concept of reality. To narrate the gaps in the postmodern episteme, the fantastic often employs disturbing linguistic mechanisms, grounding itself in the realm of language. Fantastic transgression is no longer solely triggered by perceptive events; it also emerges from linguistic resources, as seen in Samanta Schweblin’s short story “Agujeros negros”. In this story, the hole allows for a polyphonic display of semantic, syntactic, and discursive dissonances designed to question the reader's perception of reality. This article will therefore explore the various linguistic ruptures that enhance the fantastic and reflect the worldview of an era where reality is a concept as unattainable as it is threatening. Keywords: Fantastic. Irony. Hole. Language. Schweblin.
Derechos de autor 2025 Clara Siminiani https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Movilidad y género en el espacio de la corte medieval: señales distintivas de la cortesía femenina y masculina en el Libro de Apolonio
La corte medieval es el espacio privilegiado de prácticas culturales, sociales y políticas que definen singular y colectivamente a un reino y sus dinámicas internas, como sucede en las ciudades corte de Tiro, Antioquía y Pentápolis en el Libro de Apolonio. El espacio cerrado y endogámico de la corte de Antioquía, lugar del incesto entre el rey y su hija, expulsa a Apolonio como héroe casadero primero al espacio del saber de la corte de Tiro y luego a la corte de Pentápolis, en la cual las señales de la cortesía distintiva del héroe son valoradas más allá de las apariencias, en un contrapunto entre la pobreza exterior y la nobleza verdadera que terminará con el casamiento de Apolonio y la princesa Luciana, cuya cortesía femenina se desarrolla asimismo en esa corte a partir de sus propios desplazamientos y la movilidad allí presente. Palabras clave: Espacio. Corte medieval. Señales identitarias. Cortesía y género. Libro de Apolonio. Abstract: The medieval court is the privileged space of cultural, social and political practices that singularly and collectively define a kingdom and its internal dynamics, as happens in the court cities of Tyre, Antioch and Pentapolis in the Libro de Apolonio. The closed and inbred space of the court of Antioch, the site of incest between the king and his daughter, expels Apollonius as a marriageable hero first to the space of knowledge of the court of Tyre and then to the court of Pentapolis, where the signs of the hero’s distinctive courtesy are valued beyond appearances, in a counterpoint between external poverty and true nobility that will end with the marriage of Apollonius and the princess Luciana, whose feminine courtesy is also developed in that court from her own displacements and the mobility present there. Keywords: Space. Medieval court. Identity signs. Courtesy and gender. Libro de Apolonio.
Derechos de autor 2025 Carina Zubillaga https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0